Tag-arkiv: anmeldelse

Anmeldelse: ”Nøjsomheden”

Udgivet den af
Svar

Hella Joofs nye film ”Nøjsomheden”, som har premiere i dag, er en film om ord. De ord, som er nødvendige for at mennesker kan mødes, udvikle sig og finde hinanden. De ord, som både skal siges, skrives – og læses.

For som moster Tut altid har sagt det til filmens hovedperson den purunge Mona, der er i gang med at skabe sig et voksenliv: Hvis du kan læse, så kan du alt.

Det er også rigtigt – næsten. For en god portion mod til at vove at bruge sine ord – og en lige så stor vilje til at lade sine ord bygge bro skal der nu også til.

Om de så har det, de mennesker, som vi møder i filmen, der udspiller sig over en sommers tid i Helsingør og omegn, må man se filmen for at finde ud – hvis altså ikke man allerede har læst Stine Askovs anmelderroste roman af samme navn fra 2022, som filmen er baseret på.

For så kender man godt handlingen om den læseglade Mona, der livet igennem har drømt om at være en slags sekulær Harry Potter, når hun lå i lommelygtens skær, og slugte den ene bog efter den anden i skabet derhjemme hos sin social-fobiske mor, der ikke kan smide noget ud.

Men qua Monas moster, den livsglade, men også i ordets bogstavelige betydning dødssyge Tut får Mona et job i den lokale boghandel, og så kan handlingen begynde. En handling, der er hurtigt centreres omkring et romantisk møde mellem boghylderne med en ung mand fra den anden og rige side af byen.

Et miljø, som er så meget anderledes end det sociale boligbyggeri ”Nøjsomheden”, hvor Mona kommer fra, og nu har fået egen lejlighed. Så hun er stadig omgivet af de mennesker, som hun har kendt hele sit liv som fx fætteren Frederik, der sælger hælervarer og hjemmedyrket hash fra hans såkaldte haveservice-firma.

Kulturclashet er derfor til at tage og føle på, selvom mennesker grundlæggende er ret ens med de samme drømme om nærhed og kærlighed. Der bruges også vold i alle miljøer. Og ikke kun en knytnæve i fjæset kan gøre ondt. Ord kan også lave dybe sår. Men ord kan også gøre godt. De kan få os til at grine, græde på den gode måde og tænke.

Det er i hvert fald moralen i ”Nøjsomheden”, som faktisk er alt andet end nøjsom, når man ser på både manuskript og skuespilspræstationer i filmen, der så lige topper kagen med at servere en bred palette af tilstedeværelsen af kendte danske forfattere i den litteraturfestival, som er en nødvendig, men også bittersød erfaring for Mona undervejs.

Det er Andrea Heick Gadeberg, der spiller Mona, og det gør hun med så kæmpestor charme og sødme, så man uvilkårligt hepper på hende hele vejen igennem. Clint Ruben gestalter med enorm overbevisning den stammende Nikolaj, som Mona møder i boghandlen.

Maria Rossing spiller med den for hende så vante styrke en alt andet end stærk person, nemlig Monas angste mor. Iben Hjejle bevæger sig hjemmevant og med slagkraft rundt i hendes karakter, den syge og med den brogede fortid og det store hjerte moster Tut, som ser alt og alle – måske med undtagelse af sønnen, som Joachim Kubel gestalter med stor sikkerhed.

Endelig er Lene Rødbroe helt igennem fortryllende som en anden god fe, her bare i skikkelse af en boghandlerske, der svinger med de bøger, der for Mona er som sekulære tryllestave.

I andre roller ser vi Lotte Andersen og Ulrich Thomsen boltre sig som kulturelle overklasseforældre, Mikael Birkkjær nyde at spille en lokal snob-forfatter med mere attitude end talent, Thomas Hwan hygge sig som pedantisk og bange pedel og mange flere endnu som venner, hjemløse, narkobaroner og overklassepiger.

Et helt overflødighedshorn af strålende skuespilskunst. For ”Nøjsomheden” er en film, der kræser for os, som var vi med til den årlige sommerfest i den store villa lige ned til Øresund.

”Nøjsomheden” er derfor en slags virkelighedens eventyrfilm, som det er let at blive revet med af. Men som i alle gode historier findes et ekstra lag, en pointe som med lige dele humor, varme og inderlighed viser, at mennesker behøver mennesker.

At den korteste vej mellem to mennesker ikke er et smil, men ord. For tale ER guld, og vi overlever nok lidt flovhed undervejs.

Danmarksbloggen giver derfor med største fornøjelse ”Nøjsomheden” fem ud af seks bøger, som dem Mona sælger mange af i boghandlen, fordi hun rent faktisk læser bøgerne, og fordi hun på hver eneste bog sætter en gul post-it med en kort anmeldelse.

Så hvorfor ikke gøre Mona kunsten efter? Teksten ville lyde således: 

Der er intet nøjsomt over filmen ”Nøjsomheden”. Tværtimod. Den er et overflødighedshorn af humor, tårer på den gode måde og de spejle, som vi alle har brug for – når vi skal finde modet til at bruge vores ord, så vi kan nå hinanden.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: ”En familiekvinde”

Udgivet den af
Svar

Søstrene Anna og Linnea Ardens første kortfilm ”En familiekvinde” er udtaget til Odense International Film Festival, hvor den får verdenspremiere i denne uge.

Filmen er en lille perle, som viser, hvad der går forud, når en kvinde midt i livet pludselig kan vaske det gamle ansvar af sig, række armene ud og glædestrålende råbe: Jeg er fri.

Og som enhver ved, så er der derfra ingen grænser for, hvad der kan ske i hendes liv.

For hvem er i grunden vinderen, når manden i sølvbryllupsalderen går fra sin jævnaldrende kone, og finder en ny – meget yngre – kvinde, som han får et barn med? Den gængse samfundsfortælling siger manden.

Men den præmis udfordrer Arden-søstrene dygtigt i deres skildring af en mand, der mens alderen, trætheden og skavankerne indfinder sig, stadig skal hente barn i børnehaven, måske smøre madpakke, lave legeaftaler – og samtidig sikre sig, at de unge hanløver på arbejdet ikke overhaler ham.

Så er manden i virkeligheden fanget i en fælde af en gentagelse af det, som han ville ud af engang? Og er den kvinde, som han forlod, vinderen, fordi hun – når hun har grædt færdigt, fået lukket de nødvendige døre samt sendt de voksne børn godt videre i livet – har hele verden og masser af tid til sin rådighed?

Det kan man få et godt bud på i den mere end velspillede kortfilm ”En familiekvinde”, hvor Christiane Gjellerup Koch kan opleves som kunsthandleren Suzanne, der bor i en stor lejlighed i København sammen med den meget flytteklare voksne datter, som hun har med ex-manden Magnus, der spilles af Mikael Persbrandt.

Vi møder Suzanne på galleriet, hvor Magnus ringer til hende, fordi han ikke kan nå at hente den datter, som han har sammen med sin nye kæreste, inden børnehaven lukker. Suzanne indvilliger i at hente den lille pige, som hun så tager med hjem til det, der engang var rammen om hendes eget liv med mand og barn.

Dér i de fine stuer udspiller der sig derpå et lille kammerspil i tre scener. Først med den voksne datter og den lille pige, derned med ex-manden og den lille pige, og endelig med den voksne datter til sidst.

Og herefter er intet som før. Familiekvinden er sendt på pension – og Suzanne er blevet fri.

Det er Christiane Gjellerup Kochs allerførste hovedrolle – og det var da også på tide!!! For som hun kan spille med nærvær og intensitet, og så man føler, at man på den ene side lærer Suzanne rigtig godt at kende, mens man på den anden stadig er nysgerrig på mere.

Filmen slutter også med noget, som måske kan blive til en ny kortfilm om de muligheder, som kvinder midt eller lige over halvdelen af livet har.

Koch spiller i øvrigt helt op til verdensstjernen Mikael Persbrandt, som med sædvanlig sikkerhed og sårbarhed leverer rollen som en mand, der har ødelagt det for sig selv – og ved det.

Gerda Lie Kaas gestalter med stor styrke Suzannes datter Mia, der stadig slås med faderens svigt, mens Saga Lily Marie Majland spiller den lille pige – og som hun kan.

For hvad enten hun maler blåt med begge hænder eller siger sushi, da hun bliver spurgt om noget orange, man kan spise, så er Saga Lily Marie Majland fortryllende. Ja, den lille piges naturlighed foran et kamera bliver sammen med Kochs vibrerende tilstedeværelse det fixpunkt, som gør, at filmen bliver et skarpt spejl på vor tid og på de kvinder over 50 år, som engang var usynlige, men som nu kræver deres ret og plads.

”En familiekvinde” er derfor mere end en god kortfilm. Det er en nødvendig film, som de to Arden-søstre sejler sikkert i havn.

En film, hvor handlingen flyder, og replikkerne sidder. En lille hverdagsfortælling, som har hele livets drama i sig fra håb og drømme over ægteskab og børn til de greb, der brast – og måske nye chancer for romantik og glæde. Og med kvinden som heltinden, der tager sin skæbne i egne hænder. BRAVO.  

Danmarksbloggen giver ”En familiekvinde” fem ud af seks farvestrålende malerier, som det Suzanne sælger i galleriet, lige inden ex-manden ringer.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: ”Dobbeltspil”

Udgivet den af
Svar

Dagens premierefilm ”Dobbeltspil” er en skræmmende fortælling om, hvor galt det går, når man indlader sig med en psykopat og narcissist. I ved en af de der på overfladen så charmerende og ofte også attraktive typer, som lover hele verden – og en buket røde roser.

Men det eneste, som man kan regne med, når honeymoon-fasen er forbi, er, at så viser psykopaten sit virkelige fjæs – og det er grimt, og så starter glidebanen. For så går det – trods psykopatens tårer, undskyldninger og løfter om forbedring – kun nedad af den sikre vej fra at de små grænser overtrædes over anvendelse af skældsord og chikane til vold og mord – og vel at mærke uden mindste fortrydelse.

For i psykopatens øjne har vedkommende altid en god grund til at handle, som vedkommende gør – og det er i øvrigt altid de andres fejl, når noget ikke bliver, som psykopaten ønskede det.

I ”Dobbeltspil” kommer historien så med det tvist, at der her er tale om en mand, Tobias, som lever et dobbeltliv, da han er kæreste med to kvinder, den rige og tjekkede Clara, som han bor sammen med i København, og håber at få børn med, og så den mere frie designer Katrine, som han bor sammen med i Malmö.

De to kvinder finder ret hurtigt ud af hinandens eksistens, og de bygger også en form for bånd til hinanden. Men så skal heller ikke røbes mere, blot at Tobias også efter afsløringen af den anden kvindes eksistens stadig har netop den form for magt over dem, som er så typisk for en psykopat, der er mester i at gøre kvinder usikre på sig selv og eget værd – og derfor afhængig af psykopatens billigelse og nærvær.

Det lyder uhyggeligt – og det er det også. Det er så også vist mesterligt i filmen, som rent handlingsmæssigt måske nok er rimelig forudsigelig. Men det får være, selvom der er en oplagt mulighed for et tvist, som ikke udnyttes, hvis man havde turde gå ned ad den vej, som en bestemt replik er vejviser mod.

Men filmens helt store styrke er dens menneskeportrætter, hvor vi ser Neel Rønholt i hovedrollen som Clara. En rolle, som Rønholt gestalter med fineste fingerspidsfornemmelse for de erkendelser og de håb, som den i starten ret naive og materielt privilegerede Clara bærer på.

Katrine spilles med overbevisning af Julie R. Ølgaard, som tilfører den så klassiske hippietype en god portion følsomhed, som klæder karakteren.

Youssef Wayne Hvidtfeldt gestalter Tobias med en intensitet og vildskab, så man sidder og hopper i sædet, mens man har lyst til at råbe til hans ofre, undskyld kærester: LØB!!! Se dig ikke tilbage. LØB!!!

Claras forældre spilles med nerve af Ellen Hillingsø og Peter Gantzler, og jeg gad godt at have set mere til dem og deres indbyrdes forhold og tanker. For de bærer mere af historien, end man tror ved første øjekast.

Camilla Lau er Claras veninde, mens Jesper Zuschlag er Tobias´s kompagnon, og som ventet spiller begge forrygende, så også dem ville jeg gerne have set mere til. I filmen ser vi også unge Clara – spillet fint af Cecilia Loffredo og hendes unge bror Jonathan – spillet lige så fint af Salomon Stampe.

Der er så desværre også et par løse ender i filmen, hvor vi fx ikke får en forklaring på en 180 graders vending i en holdning og adfærd hos nogle af filmens bipersoner, som er afgørende for filmens sidste scener. Det er rigtigt ærgerligt. For det er filmens nøglepunkt, og det kunne være klaret på blot et enkelt minuts samtale over den vin, der drikkes godt af filmen igennem.

Danmarksbloggen giver ”Dobbeltspil” fire ud af seks af de nøgler, som både kan lukke og åbne i et liv og for et selvværd. Det er en gedigen spændingsfilm og et formidabelt portræt af, hvad der sker, hvis man indlader sig med en psykopat – og ikke skynder sig væk i tide, hvis man er så heldig at få en advarsel, inden det er for sent.  

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: ”Fyrtøjet” på Pantomimen

Udgivet den af
Svar

Normalt anmelder man til premierer, men nogle gange kræver en forestilling en anmeldelse, også selvom der er gået lang tid.

Således Pantomimeteatrets version af H. C. Andersens eventyr ”Fyrtøjet”, som Danmarksbloggen oplevede i aftes.

Det var en af de sjældne varme og sollyse sommeraftner, hvor Tivolis kælenavn Den Gamle Have gav ekstra mening, og hvor det var særligt skønt at sætte sig foran det fredede Pantomimeteatret for at opleve historien om den kække soldat, som kom marcherende hen ad landevejen.

Dvs. her i ballet-og-pantomime-versionen kommer han også springende og hoppende ind på scenen, hvor der står et træ – og lidt senere også en heks, og så er spillet i gang.

Ned til hundene og mønterne med soldaten, og op igen for at hugge hovedet af heksen og begive sig ind til byen, hvor soldaten smider om sig med penge, og forelsker sig i kongedatteren, som er låst inde om natten, fordi det er blevet spået, at hun vil blive gift med en simpel soldat.

Det vil kongen nemlig undgå. Men hundene finder på råd – og hverken en kvik hofdame eller en snedig dronning kan forhindre de to unge i at finde sammen – og blive byens nye kongepar, selvom det holder hårdt, da soldaten kun er en kridtpibe og et fyrtøj fra at blive hængt.

Vi kender eventyret alle sammen, også turisterne kunne jeg høre, inden påfuglen gled ned, og det hele gik i gang. Så det nye og spændende består i, hvordan eventyret vises – og hvad der lægges væk på.

Og på Pantomimen får scenerne med byens liv lov til at fylde meget mere end i historien. Hvilket giver god mening, når man betænker, at der skal være plads til, at Tivolis Balletteater skal vise, hvad de kan – og de kan meget. Både hver for sig som soldaten og hofdamen, som pas de deux med soldaten og prinsessen – og samlet som hele kompagniet, både voksne og børn.

Der danses, så det er en fornøjelse at se for især den, som kan lide ballet. For den, som kommer for at opleve H. C. Andersens eventyr live, er de to optrin i byen derimod ret lange – og også for lange.

Mine naboer på de grønne bænke fandt undervejs mobilerne frem – og ikke for at tage billeder. Men ellers var de og alle andre, som sad eller stod foran det gamle teater med påfuglen, levende optagede af løjerne, mens der blev jublet – og storklappet bagefter.

Det er Dronning Margrethe, som har stået for kulisser og kostumer – og som altid, når vores kreative og kunstneriske dronning er involveret, har der været gang i hele farveladen. Alle farver, alle nuancer er med – og det er nu så ganske dejligt at se hele paletten og også diverse mønstre præsenteret.

Majestæten er også ganske farverig selv – og det tager hun heldigvis med på scenen sammen med en stor portion opfindsomhed.

Hvordan laver man fx hunden med øjne så store som Rundetårn? Nemt, man laver ikke blot et, men hele to Rundetårn, som popper ud af øjnene på den store hund – den med guldmønterne.

Og der er meget mere hitte-på undervejs. Men det må man selv gakke i Tivoli og se.

Danmarksbloggen giver ”Fyrtøjet” fire ud af seks fyrtøj. Forestillingen fortjener i grunden fem, når man ser på dens dramaturgi, humor og opfindsomhed – og på at det er verdens bedste eventyrdigter H. C. Andersen, som har lavet historien. Men de to danseseancer i byen varer simpelthen alt for lang tid.

Alligevel er det en herlig halv time, som man kan tilbringe i selskab med soldaten, heksen, prinsessen og alle hundene på udvalgte dage i Tivoli denne sommer.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: “Vaiana”

Udgivet den af
Svar

Endnu en genfortolkning af en animationsfilm fra Disney får i dag d. 9. juli premiere i en live-action version. Denne gang er det den 10 år gamle Oscar-nominerede “Vaiana”, som er den fantastiske fortælling om høvdinge-datteren Vaiana fra sydhavsøen Motunui, der drager ud på det store, blå hav for at genoprette naturens orden med hjælp fra halvguden Maui. 

Filmen er inspireret af polynesisk mytologi, krydret med den velkendte Disney-magi og tilsat en håndfuld originale sange af Lin-Manuel Miranda, Opetaia Foa’i og Mark Mancina – og lad det være sagt med det samme: Live-action-versionen er mindst lige så god og gribende som dens animerede rødder. 

Vaiana, der gestaltes af Catherine Laga’aia, er præcis så snarrådig og eventyrlysten, som man kender karakteren fra animationsfilmen. Hun føler sig draget af havet, og godt hjulpet på vej af sin bedstemors genfortællinger af myterne, tager hun af sted på en farefuld og storslået rejse ud på den anden side af det rev, som ellers udgør den trygge og kendte grænse i hendes verden.

Vaianas bedstemor bliver spillet kærligt og legende af Rena Owen, mens Vaianas forældre gestaltes af John Tui og Frankie Adams med den helt rette mængde af formaninger, omsorg og ubetinget kærlighed til deres barn, der skal ud i verden og finde sig selv – også selvom forældrene måske ikke er helt klare på det endnu.

For afsted må Vaiana, og undervejs møder hun halvguden Maui, der spilles af Dwayne Johnson, som også lagde stemme til samme figur i den originale animationsfilm. Alle, der har set 2016-animationsfilmen, ved, at Maui har både håret, kroppen og tatoveringerne til at være en overvældende halvgude-skikkelse, og ja, det har den tidligere wrestler Dwayne “The Rock” Johnson.

Samspillet mellem Catherine Laga’aia og Dwayne Johnson virker fortrinligt. De ER Vaiana og Maui, og deres møder med morderiske kokosnødder, kæmpekrabber og lava-monstre føles ikke forstilte, men derimod som den skinbarlige virkelighed, der kan ske for enhver, som begiver sig ud i et eventyr i bølgerne.

For sådan er det i en Disney-film, animeret eller live-action. Man bliver man let revet med ind i en anden verden, en magisk verden. Og “Vaiana” er formentlig en af de mest vellykkede live-action-genfortællinger, som Disney har frembragt.

Det er Thomas Kail, der har instrueret.

Og ja, filmen byder også på endnu en Disney-klassiker, nemlig de søde og sjove dyr, hvor særligt hønen Heihei er et morsomt og gakket sidekick. Det andet animale indslag er grisen Pua, som vi kun ser i glimt.   

Danmarksbloggen giver “Vaiana”6 ud af 6 konkylier, som dem, der kaldte på Vaiana, og førte hende ud på det store eventyr.

Måske du også kan høre den indre stemme, der kalder på dig? Og i så fald – lyt! Selv tak.

Skrevet af: Anna M. T. Frederiksen.

Anmeldelse: ”Erasmus Montanus”

Udgivet den af
Svar

Der er dem, der siger, at latin er et dødt sprog. Der er dem, der siger, at Holbergs komedier er gammeldags og ikke kan bruges til noget mere.

Begge tager fejl, og det kan man forvisse sig om ved at tage i Grønnegårds Teatret og se sommerens opsætning af “Erasmus Montanus”, som vittigt, kløgtigt og i den helt rette Holberg-ånd demonstrerer, hvor evigt aktuelt problemstillingen ”Gamle Sandheder versus Opdateret Viden” er.

Og størst bliver sammenstødet, når det sker mellem på den ene side dem uden uddannelse, men med evne til at klare sig i deres egen – den bonde-sjællandske – verden, og så på den anden side den, der drog ud, og nu kommer hjem med den højeste uddannelse, men uden skyggen af indsigt.

For bondesønnen Rasmus, der i København forvandlede sig til Erasmus Montanus, kommer hjem på den ene side fuld af krav om at blive kaldt monsieur og på den anden fuld af foragt over sine rødder. Og så bliver den festlige hjemkomst hurtigt til et studie i, hvad overdreven selvopfattelse kan forårsage af ulykker.

Det er Nicolai Jørgensen, som i fuldstændig suveræn stil og mesterklasse gestalter dette i egen optik så lærde supermenneske, der dog må ty til mors skørter, da livet bliver svært. Mor Nille spilles fuldstændig forrygende af Laura Bro, og man føler nærmest, at man kan mærke sine egne ben blive først tungere og siden lettere i den berømte mor-er-en-sten-nej-mor-er-ikke-en-sten-scene.

Faderen Jeppe er lagt i solide hænder hos Jesper Hyldegaard, som er inkarnationen af fordommen om den stolt-naive sjællandske bonde, mens broderen Jacob spilles af Lue Støvelbæk, der giver hjemmefødningen en både ungdommelig og dybsindig ”spekulering”.

For der er mange måder at være intelligent på, selvom Erasmus kun anerkender en – nemlig sin egen. Nogle af forestillingens mest spektakulære scener er derfor også de akademiske fægtekampe – at disputere – med egnens (selv-) erklærede kloge hoved Per Degn, som spilles, så det smælder af Johannes Lilleøre.

For det er en forestilling, der også handler om viden – og om overtro, og især om enkeltsagens betydning. Her hvorvidt jorden er flack – altså flad eller ej. Det hævder man på Bjerget, at den er – og det i en grad, så det spiller en afgørende rolle for Erasmus´ videre færd. For muligheden for at gifte sig med den velhavende Jeronimus´ datter Lisbed, der spilles med en charmerende blanding af sødme og styrke af Rikke Westi.

Hendes principfaste far Jeronimus gestaltes med sædvanlig sikkerhed af Steen Stig Lommer, mens Christine Gjerulff sprudler i rollen som hendes mor Magdalone, der i styrke langt overgår den ellers så bidske ridefoged Jesper, som Morten Hauch-Fausbøll giver en god figur.

Grønnegårds Teatrets ”Erasmus Montanus” er Holberg med sans for både det klassiske og det moderne, med tempo og latter, med hver skuespiller, hver replik, hver bevægelse lige, hvor det skal være. Det er, så man – midt i 1700-tallets herligheder – ikke kan lade være med at tænke på vor tids fake news og overtro – og vor tids Erasmus Montanus´er. For de findes skam stadig. De har bare skiftet latin ud med management-sprog.

Danmarksbloggen giver Grønnegårds Teatrets “Erasmus Montanus” 5 ud af 6 dissertattiones in traditone theatrali academica Holbergiana de discipulo e monte qui domum ex Hafnia rediit – eller sagt på dansk: 5 ud af 6 af de porrer, som mor Nille render rundt med.

Det er en opvisning i, hvor nemt mennesker, idéer og viden kommer ud på et skråplan. Men heldigvis også en påmindelse om, at selv de mest optegnede landkort og de mest indgroede opfattelser må vige for en kvinde, der stiller de rigtige spørgsmål og tør at handle.

En stor ros til scenograf og kostumedesigner Marianne Nilsson og koreograf Maja Kaagaard Olsen for at have skabt en opsætning, der ikke kun visualiserer centrale temaer i “Erasmus Montanus”, men som gør det levende og troværdigt for skuespillerne at udfolde deres karakterers indre verden på scenen. Der er skabt en helhed, så ingen og intet falder udover kanten.

Men nu er jorden jo heller ikke flad som en pandekage, vel?

Instruktør er Madeleine Røn Juul.

Skrevet af: Anna M. T. Frederiksen og Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: ”Vores løfte”

Udgivet den af
Svar

Hvad er løgn – og hvad er sandhed? Findes den absolutte sandhed? Eller er alt blot historier, fortalt af dem, som oplever det – men som ikke nødvendigvis sanser og husker tingene på samme måde?! Det spørgsmål stiller Pernille Fischer Christensens nye film ”Vores løfte”, der har premiere i dag.

”Vores løfte” er en dybt ubehagelig, men også nødvendig film, som opruller, hvad der sker, når en berømt og rost – mandlig – træner på svømmelandsholdet i en autofiktiv bog skildres som en pædofil krænker af en nu afdød kvindelig tidligere elitesvømmer, der endte med at begå selvmord.

En bog, der får samme effekt som en stor sten, der slynges i vandet, og derpå sender bølger ud i alle retninger, så ingen lades uberørt. Slet ikke træneren, hans kone, som han tidligere var træner for, men som nu for længst er steget op af bassinet og blevet tv-kommentator, og deres fælles og sårbare 14-årige datter, der har samme alder, som konen havde, da denne begyndte at svømme på landsholdet.

Men også menneskene omkring den lille familie – forlæggeren, som er konens bedste veninde, og spilles med overbevisning af Sofie Torp, lektiehjælpen, som også er datterens fortrolige, leveres fint af Maimona Bruun, svømmeunionens formand, som spilles med nerve af Rasmus Botoft (giv endelig den mand flere alvorlige roller), hans kone, som spilles driftssikkert af Rikke Bilde samt ekssvømmerskens chef på tv-stationen, som gestaltes af Malte Frid-Nielsen, der spiller så godt, at man tænker, at han er hentet lige ud af ”Presselogen”- rammes af de ringe, som bogens enorme medieopmærksomhed afstedkommer, så de må værge for sig, hvis ikke de selv skal trækkes ned.

For medier – og befolkning – er hurtige på aftrækkeren, og som publikummer til filmen fanger man også flere gange sig selv i at vurdere, hvem og hvad man tror på. Har svømmetræneren, som spilles fuldstændig forrygende og overbevisende af Lars Ranthe, gjort det, som han anklages for i ikke kun bogen, men også af andre eks-svømmere, som står frem? Eller er han, som han selv siger det, bare en venlig mand, der vil det godt?

Den tidligere topsvømmerske, nu trænerens kone, som spilles med enormt nærvær og nerve af Danica Ćurčić, tror på sin mand i starten, og forsvarer ham heftigt overfor alt og alle. Men bliver hun ved med det – eller må hun i gang med en rejse ind i eget sind og eget liv? Og hvilke erkendelser og konsekvenser ender det hele med at få for datteren – og for det tidligere så succesfulde par, som har givet hinanden det løfte, at de altid vil være dér for hinanden, altid vil elske hverandre?

Det skal man se filmen for at finde ud af. Og selv dér er der – måske – flere fortolkningsmuligheder, især lige når man har set filmen. Et par timer efter blev undertegnede dog ret sikker på, at det kun var en mulighed.

Men den eneste, som skal erklæres sikkert, er, at Ranthe og Ćurčić spiller på et niveau, så det er som et intenst kammerspil – endda med datteren Mo som tredjepart. Det er stortalentet Lily Schjøtt-Wieth, som med brændende øjne og 100% troværdighed gestalter den sårbare teenager, der på mange måder er fanget i farlige strømme, som truer med at trække hende ned.

”Vores løfte” er en psykologisk gennemført uhyggelig film, som sætter spot på hele krænker-offer-syndebuk-problematikken og dens kølvand. For ingen er vel automatisk en krænker, bare fordi nogen peger og siger det? Men omvendt er de dage, hvor magten – bevidst eller ubevidst – bestemte spillereglerne, forhåbentlig forbi, så det er slut med at acceptere en udnyttelse af dem, som er nederst i et ulige magtforhold.

Så hvordan skal vi fremover gebærde os – som mennesker og som samfund, når der peges fingre, og nogen hvisker, siger, råber krænkelse? Det giver ”Vores løfte” ikke et svar på. Vi kan blot konstatere, at vi stadig er ude at svømme her i storytellingens tidsalder, og at vi stadig mangler at finde en manual. Men med denne film kan debatten måske blive mindre person-og-sags-fikseret og mere optaget af at finde en løsning.

”Vores løfte” får derfor fem ud af seks svømmehætter af Danmarksbloggen. Det er en af årets vigtigste film.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: Bakkens Hvile 2026-show

Udgivet den af
Svar

Det lyder som et eventyr, men det er ganske vist: Ude i den grønne skov på Dyrehavsbakken i Klampenborg findes en lille pavillon, som har ligget der i svimlende 149 år, og hvor der hver eneste sommer i al den tid har været syngepiger, der med swung og saft har begejstret publikummerne, der sidder ved de små, runde borde nedenfor den lille scene.

Det er Bakkens Hvile, hvor der i går aftes var forpremiere på årets show, og hvilken aften det blev fra de søde serveringspiger havde været rundt første gang med drikkevarer og til det røde tæppe for sidste gang gik ned efter de fire bakkesangerinder og pianisten fik velfortjente stående ovationer.

For sikke en forestilling. I to afdelinger på hver cirka 12 sange bliver der sunget, fortalt og lavet spas – damerne i deres overdådige, glitrende og fjerprydede kreationer indbyrdes, med én velspillende pianist, som trofast tager imod det hele, med os i publikum som skiftevis griner og synger med, og med bartenderen, som endda var direkte involveret i den ene sang, der nemt kunne være årets højdepunkt i en hvilken som helst revy – hvis altså bartenderen var den samme.

For bartenderen er ingen ringere end Dansk Folkepartis formand Morten Messerschmidt, som beredvilligt stiller op til løjerne, og som i øvrigt er gift med chefen for det hele Dot Wessman, som også er en af de fire syngepiger, og som tilmed i år kan notere sit 50-årsjubilæum i Bakkens Hvile.

Den flotte milepæl bliver også behørigt fejret i en forestilling, hvor numrene veksler mellem gamle viser, af og til med aktuelle tekster, nyere sange og så de store klassikere: ”Jeg er en af Bakkens sangerinder” og ”Køb blomster, køb blomster” – og ja, man kan købe langstilkede røde roser – og ja, der kan betales med mobilepay. Men det kan anbefales at have nok af 20´ere med, som man kan smide op på scenen, så det klinger – som traditionen byder.

Følg i det hele taget skikkene i Bakkens Hvile, tag en drink mere og giv evt en runde til pigerne på scenen – de kvitterer med en sang. Lad Dem i det hele taget rive med. Et show på Bakkens Hvile er nemlig noget ganske enestående. Det er varieté som for 149 år siden. Men er det så ikke gammeldags? Ikke et hak. Tværtimod.

Bakkens Hvile er en verden af i går, som vi nyder i dag, og som vi også behøver i morgen. Her er rødder og historie – og historier – fortalt med højt humør og i sang og musik. En verden, hvor de fire damer – Tina Grunwald, Sus Mathiasen, Ann Farholt og naturligvis Dot Wessman – synger og underholder, så det er en lyst om netop lyster og sex – også når den kan erhverves for klingende mønt. Her er ingen politisk korrekthed, ingen bonerthed. Her er livsglæde, lummerhed og liflighed iklædt ægte musik og ægte sang – og vi gynger med og synger med – både om at gå med i Lunden, titte til hinanden, kys hinanden og jeg har elsket dig så længe, jeg mindes.

De ord gælder også Bakkens Hvile, som jeg aldrig havde besøgt før i går, men som jeg på stedet forelskede mig i fra første tone, nej, allerede fra jeg trådte ind i den lille træpavillon, som engang var så almindelig.

For engang var der hele 43 sådanne syngepavilloner fra København til Klampenborg, fortalte Dot Wessman. Nu er der kun én, Bakkens Hvile, tilbage, og den skal blive. Den er levende kulturhistorie, men ikke et museum. Bakkens Hvile er stedet til dem, som stadig tør møde sig selv og andre mennesker analogt uden filter. Det må ikke forsvinde – eller laves om. Så Dot Wessman har ret, når hun siger: og her kan forandring faktisk skade.

Danmarksbloggen håber derfor, at hun også får ret i, at der altid vil være en Bakkens Hvile med syngepiger, som også i de kommende år vil fortsætte med at være så gavmilde med sig selv og deres sange, som de synger direkte ud til os i publikum.

For der sker noget godt, når man sidder tæt sammen – også med folk man ikke kender, men som man alligevel snakker med, skåler, smiler og griner med. Synger og gynger med. Så begejstres man, og så gælder ordene fra Bakkevalsen Kom og tænd min sol…

For solen tændes et sted indeni, når man sidder dér i halvmørket på Bakkens Hvile sådan en festlig og forrygende aften i selskab med d´damer Bakkesangerinderne og alle de andre. En aften, hvor stemning og sang går op i en højere enhed, hvor folkekultur, historie og danskhed smelter sammen til noget, som vi alle kan føle os hjemme i – sådan på dybet.

Så skal vi skåle? Gu´ ska vi så. Bakkens Hvile i 2026 er livseliksir for livsglæden, for fællesskabet og for det danske frisind, og som der er stærkt brug for – også i fremtiden. Danmarksbloggen giver derfor Bakkens Hvile – dette musikalske danske eventyr fortalt, spillet og sunget for voksne – seks ud af seks langstilkede røde roser.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Anmeldelse: ”The Devil wears Prada 2”

Udgivet den af
Svar

Man børster stadig tænder i New York om morgenen – også i 2026, hvor ”The Devil wears Prada 2” ligesom sin forgænger, den ikoniske ”The Devil wears Prada”, begynder med, at vi ser Andy i gang med at gøre sig klar til endnu en hård dag i den myldrende storby.

Og så skal ikke røbes eller fortælles mere konkret fra filmen. For som i alle gode historier, så skal man selv se den, og overraskes, overrumples, overvældes.

Og det bliver man i ”The Devil wears Prada 2”, hvor en ny tids muligheder nemt bliver til trusler, løfter bliver til udfordringer – og måske også omvendt i en verden, hvor AI, sociale medier og den nye digitale virkelighed truer det hæderkronede og på papir skabte modemagasin ”Runway”.

Begivenhederne afløser i hurtigt tempo og lækre billeder hinanden i filmen, hvor stjernecastet Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt og Stanley Tucci er tilbage i en handling, der hvirvler os rundt fra Manhattans højhuse over Hamptons grønne idyl og til Italien, hvor vi både besøger Milanos historiske bykerne, og er ude ved den blå Como-sø.

Og som” The Fab Four” performer: Meryl Streeps Miranda er stadig skarp i både replikker og beslutninger, Stanley Tuccis Nigel er som altid omsorgsfuld og kærlig, Emily Blunts Emily kæmper stadig for at få opfyldt sine drømme – og Anne Hathaways Andy har beholdt troen på solidaritet, moral og etik.

Men der er også sket en udvikling, og alle fire hovedroller i ”The Devil wears Prada 2” viser mere af sig selv end i den første film – også til hinanden i takt med, at handlingen intensiveres. Det klæder filmen, at man mærker, at der er noget for alvor på spil hos disse modemennesker, hvis liv på overfladen ellers nemt ligner den rene glamour.

Så derfor, men ikke kun derfor, overgår den ellers så notorisk svære toer den første The Devil wears Prada-film, selvom den definerede flere generationer. De to film hænger sammen, så Danmarksbloggen opfordrer til et gensyn med den første, inden man ser ”The Devil wears Prada 2”.

For som i alle modemagasiner – ja, alle blade og tidsskrifter, har man en skabelon. Man ved, hvad der skal på forsiden, på side 17 – og på side 54, og sådan er det også i de to The Devil wears Prada-film.

Mange mønstre, mange settings gentager sig i både filmens store linier og i de små detaljer, men i 2026-versionen sker det med replikker og punchlines, som ikke blot afleveres med større præcision, men som også i endnu højere grad taler ind i både historien – og i den tid, som vi lever i alle sammen.

Læg dertil en god portion humor og en historie, som er endnu mere sammenhængende og dramatisk, fordi den inkluderer en både indre og ydre udvikling hos alle fire hovedroller, og fordi den tør trække på en meget kendt historie fra Biblen om svigt og menneskelighed.

Dertil kommer et blændende cast af stjerneskuespillere i birollerne som Lucy Liu som den rige Sasha Barnes, Kenneth Branagh som Mirandas nye mand, Justin Theroux som Emilys nye kæreste og Simone Ashley som en af de nye ansatte på Runway samt mange andre.

Ja, og så skal man ikke glemme den lange-lange liste af verdensberømte kendisser, designere og andre fra øverste hylde, som medvirker som sig selv. Der er flere af dem end en flok groupies til en popkoncert. Ingen skal nævnes, fordi det også vil røbe noget om filmens handling, som skal ses, ikke fortælles.

Det er alt sammen, hele filmen som en MET-galla, mere med mere på – og stadigvæk nyt i sigte. Den rene overdådighed. Man overvældes – på den gode måde.

Danmarksbloggen giver ”The Devil wears Prada 2” seks ud af seks af Andys berømte Ceruleanblå sweater. Det er en film, som er større end sin egen myte. Dybere i sin menneskeskildring, mere overbevisende i sin dramaturgi, morsommere i sine replikker og flottere i både kostumer og kulisser.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk

Læs også Danmarksbloggens kulturartikel om fænomenet The Devil wears Prada

The Devil wears Prada – men Anne Hathaway er en Engel

Kort inden premieren på “The Devil wears Prada 2” var Anne Hathaway gæst hos Stephen Colbert i hans talkshow, hvor hun fortalte, at hun, mens de for 20 år siden lavede den første ”The Devil wears Prada”, havde på fornemmelsen, at filmen ville blive en stor succes.

Men aldrig havde jeg forventet, at filmen skulle blive til et forhold – a relationship – med hele verden. Men sådan er det blevet, sagde Anne Hathaway.

Hun er spot-on. En hel verden er i et så fast forhold med TDWP (The Devil wears Prada-universet), at filmen ses igen og igen – også selvom moden siden den første film har ændret sig tusind gange, mobilerne er blevet nogle andre, de sociale medier er kommet til – og også de mere alvorlige dagsordner fylder markant mere.

Men relationen til TDWP er så still going strong, at selv Anna Wintour, som kraftigt inspirerede til Meryl Streeps Miranda-karakter, har overgivet sig – og medvirket i flere trailers sammen med netop Meryl Streep op til premieren på “The Devil wears Prada 2”, hvor Vogues Grande Dame udviser både selvironi og skuespils-talent. Ja, de to damer kan tilmed dele en elevator!!!

Det holder en hel verden af. Præcis som vi er begejstrede over at se det originale cast – The Fab Four: Meryl Streep, Anne Hathaway, Emily Blunt og Stanley Tucci – genforenet som et andet superband. For det er de – bare på film – her i anden omgang, som faktisk er endnu bedre end den første runde.

Men hvad er det ved TDWP, som gør universet så enestående? Ja,at det tilmed tiltrækker dem, som enten ikke var født, eller som var små piger mere optaget af Hannah Montana end af Miranda, Andy, Emily og Nigel, dengang den første film kom i 2006?

Måske det er fordi, at filmene griber ned i noget arketypisk omkring det at være kvinde. Noget, som engang handlede om at være et passivt objekt, men hvor kvinder nu også kan være et aktivt subjekt, der handler – som det netop sker i ”The Devil wears Prada 2”.

For i centrum er – trods alt – stadig de forskellige skønhedsidealer, som de har været det gennem hele historien. Fra Venus i antikken med hendes topmave til barokkens store kvinder, som var fede, fordi det var et tegn på rigdom. Fra bleghedsidealet i oplysningstid og 1800-tal, som betød, at man ikke behøvede at arbejde i marken, til den brune hud i 1900-tallet, som signalerede overskud, sundhed og fritid. Fra heroin-chic-lookets selvdisciplin i 1990’erne over kropspositivismen, som qua Wegowy led en krank skæbne, så tyndheden er back in fashion.

Alligevel er noget forandret. Siden den første film har vi haft Metoo og diversiteten – og det er blevet ikke kun legalt, men også prisværdigt, når kvinder tager styringen – og det adresseres også i ”The Devil Wears Prada 2”, hvor kvinder i alle farver er med, hvor der er flere størrelser end tynd – selvom det lave BMI dominerer, men ikke så meget, som det kunne have gjort.

Anne Hathaway fik nemlig stoppet, at man brugte så syletynde modeller, som hun og Meryl Streep så på runwayen til Milano Fashion Week, mens de filmede 2´eren. Anne Hathaway er nemlig ikke kun på lærredet, men også i virkeligheden en moderne kvindekæmper – som tør tage bladet fra munden, og sige de ting, som alle kvinder har brug for at høre.

Sådan en søster, mor, datter, veninde eller kollega, som man gerne vil have – eller være. Det er igen den med, at vi kan relatere til filmen. Anne Hathaway bruger også gerne sig selv som eksempel, som da hun kort inden verdenspremieren på ”The Devil wears Prada 2” i New York kommenterede på, at Peoples Magazine lige havde kåret hende til verdens smukkeste kvinde.

Anne Hathaway sagde (forståelsescitat): Skønhed hænger sammen med at være ægte, være sit autentiske jeg. Selv brugte jeg mange år på hele tiden at kritisere mig selv og presse mig selv. Jeg troede, at det – hvis jeg gjorde det godt nok – ville ende med, at jeg blev perfekt. Men nu slapper jeg mere af. Jeg ved, at jeg ikke er og aldrig bliver perfekt, og at det er helt ok. Og når man indser det, så kommer alt både nemmere, med et bedre resultat og et større perspektiv.

Værsgo – mine damer. Her er noget at spejle sig i og tænke over, mens man læser historiker Anna Frederiksens gennemgang af Kvindeidealet gennem historien.

Et kvindeideal, der altid har handlet om at stræbe efter perfektion. At man er en bedre kvinde, fordi man ser ud på en bestemt måde, og som i vores forbrugsorienterede tidsalder også inkluderer udvalgte mærker tøj, sko, tasker, parfumer, bælter, tørklæder og smykker for at opnå en bestemt identitet.

Kvindeidealet gennem historien

Antikke græske og romerske kvindefigurer er lavet ud fra datidens kvindeideal. De har runde former og symmetriske træk, og er en afspejling af ideen om sjælens skønhed, hvor det indre og det ydre blev opfattet som sammenhængende. At være smuk var altså at være god. Men også blegere hud var populært, da det signalerede, at man ikke skulle slide i marken.

Renæssancens syn på kvindekroppen var stort set det samme, hvilket giver mening, da antikken som periode var det store hit i renæssancen. Som en reaktion blev en stor krop populær i barokken, da den store, ja fede krop signalerede overskud og velstand.

I slutningen af 1800-tallet skulle den mindre, men stadig runde kvindekrop så have en meget smal talje, så kvinder blev snøret ind i stramme korsetter, som ødelagde kroppen – præcis som nutidens skyhøje stiletter også smadrer såvel fødder som krop.

Da mangel på mad stort set ikke længere var en risiko i Europa, kom tynde kroppe på mode. Det var omkring 1. verdenskrig, da kvinderne for alvor rykkede ud på andre arbejdspladser end dem på marken og på fabrikken. For dem har kvinderne nederst i hierarkiet altid haft. De talte bare ikke hos det borgerskab, som dikterer moden.

De brølende 20’ere og flapper-moden med de androgyne træk fortsatte med at gøre den slanke/tynde krop “in”, inden 30´ernes krise og 40´ernes 2. verdenskrig ramte. Her hvor bare det at få nyt tøj var stort, ja bare at få mad – og at overleve var, hvad det handlede om i et sønderbombet Europa, mens de amerikanske kvinder gik amok i nye opfindelser som nylonstrømper, og vi i Danmark lavede sko af rødspætteskind.

Resten af 1900-tallet var præget af skiftende moder og dermed forskellige kropsidealer. Tænk Marilyn Monroe og 50’ernes timeglas-figur på både kjoler og krop, versus 60’ernes kortere og firkantede kjoler, som ikke skulle vise former – men var en fornyet 20’erne flapper-stil.

70´erne var deres egen brun-orange-fløjl-og-ingen-bh-periode, inden en fit krop iklædt stærke farver, brede skulderpuder, stort hår og kraftig make-up kom på mode i 80´erne anført af den fiktive karakter Alexis Carrington fra Dollars/Dynasty, som var en kvinde af et format, så selv Miranda Priestley havde måttet vige for hende, hvis de to nogensinde havde mødtes.

Med 90’ernes modeller som især Kate Moss blev “heroin chic” in. Kvinden skulle have kontrol over sin krop – og en størrelse 34 blev en størrelse 32, som det også siges i den første The Devil wears Prada-film. Tynd og bleg var det nye sort, som også var farven til alt.

Efter årtusindskiftet kommer farverne på både hud og tøj – og formerne, især de fyldige bagdele, så tilbage. Body-positivity-bevægelsen bliver stor i 2010’erne. Ja, kvinder med noget på sidebenene bliver ligefrem supermodeller.

Men idealerne flytter sig konstant – og senest med vægttabsmedicin som Wegovy/Ozempic, hvor kvinder – også normalvægtige – taber sig voldsomt på kort tid. Det kaldes derfor “ozempic pandemic”, når kendte skuespillere, sangere m.fl. viser sig på den røde løber, og man kan se, at de har smidt en betydelig mængde kilo på ingen tid.

Det nye er så, at nu rammer kravene om et bestemt udseende også mænd. Det er – stort set – første gang siden antikken. For dengang var der seriøs fokus på mænds kroppe, hvad enhver kan forvisse sig om, når man ser på gamle græske og romerske statuer.

Så måske er en form for ligestilling på vej? I hvert fald i kravene til udseende. For når det kommer til den reelle magt, så er det stadig dem, der har pengene, produktionsmidlerne og den politiske kapital, som styrer showet – også i 2026, og her er kvinderne som køn stadig underlagt mændene.

Det har Metoo, den store ligestillingsdebat – og det lige så store fokus på diversitet ikke ændret afgørende på. Så vi har altså brug for håbet, som Anne Hathaway som en anden engel har været budbringer af i forbindelsen med lanceringen af ”The Devil wears Prada 2”. Om filmen så bakker op om det håb, kan man gå i biffen og finde ud af.

Skrevet af Anna M. T. Frederiksen og Dorte J. Thorsen

Anmeldelse: ”Affektionsværdi”

Udgivet den af
Svar

Man kunne fristes til at sige, at hovedpersonen i dagens premierefilm Joachim Triers ”Affektionsværdi”, som vandt en Oscar for bedste udenlandske film tidligere i år, er det hus i et af Oslos bedre kvarterer, hvor størstedelen af filmen udspiller sig.

For det store, smukke træhus med alle finurlighederne er både kulisse, hovedperson og det, som har affektionsværdien – og dermed historien i sig, idet huset gennem 100 år og mange generationer har dannet ramme om den samme families fødsler, livsforløb og død.

Huset har så også – lige siden det blev bygget – haft en sætningsskade, der ved filmens start i nutiden har spredt sig hele vejen fra kælder til kvist. Billedet på, hvad social arv gør ved mennesker, kunne ikke være tydeligere. For de mentale sætningsskader fortsætter selvfølgelig hos dem, som i nutiden om ikke bebor, så dog er stærkt tilknyttet til og færdes i huset.

Først de to søstre: Nora, som er skuespiller, single og storesøster – og Agnes, som er historiker, lillesøster og har mand og barn.

Dernæst deres far – den berømte filminstruktør og manuskriptforfatter Gustav Borg, som forsvandt ud af huset og søstrenes liv, da de var purunge teenagere, men som nu efter psykologmoderens død kommer tilbage fuld af planer om en ny film, som skal indspilles i huset, og som lillesøsteren laver research til – og hvor han vil have, at storesøsteren skal spille hovedrollen.

En rolle, som faderen insisterer på, ikke er hans mor, som begik selvmord i huset, da faderen var en lille dreng. Hvordan faderens film – som minder meget om hans mors skæbne – så ender, skal ikke røbes her.

Men man er godt på vej, hvis man er bevidst om, at:

  1. ”Affektionsværdi” er en film med meget meta – og
  2. Det er vigtigt for mennesker at se – og at blive set.

Jeg ser dig, som lillesøsterens 9-årige søn også siger det i et af filmens vendepunkter. Det matcher også faderens filmunivers, som alle har ansigter og øjne som et centralt tema, præcis som disse sjælelige spejle er det i Joachim Triers ”Affektionsværdi”.

At se kræver både lys og mørke, og ifølge faderen er skyggerne det smukkeste i verden. De er også uundgåelige, og ofte dem, som gør mest ondt, og fylder mest – og huset vrimler med dem. Alligevel kan hverken faderen eller de to søstre lade være med at være i huset. Når det kommer til stykket, vil alle også bare gerne have et hjem – fremfor at stå og flagre på en scene.

Og det gælder, hvad enten scenen er et filmset med internationale stjerner som hos faderen. Eller det er Norges nationalscene, hvor storesøsteren er primadonnaen, der stråler i store roller, som fx i Anton Tjekhovs ikoniske skuespil ”Mågen”, der kredser om de samme temaer om kunstnerisk virke, drømme og anerkendelse, som ”Affektionsværdi” gør det.

Det er Stellan Skarsgård, som spiller faderen – og det gør han med en enorm overlegenhed, ja nærmest en legende naturlighed – og så ved man, at der er tale om ren filmkunst.

De to søstre og deres indbyrdes had- og kærlighedsforhold, bare uden had, men med omsorg selv i konflikterne vises både stærkt og sart. Det er Renate Reinsve, som spiller storesøsteren, og det gør hun så nøgent og åbent, at det er en fornøjelse. Lillesøsteren gestaltes med den største finesse af Inga Ibsdotter Lilleaas, som er så dygtig til at vise de sprækker i lillesøsterens venlige og kompetente væsen, der alligevel lader os ane, at det opgør med sig selv, tiden og huset, som faderen og storesøsteren tager, har hun endnu til gode.

I rollen som den unge amerikanske stjerneskuespillerinde Rachel Kemp, som har både hjerte, hjerne og mod (hvor skønt at se en ung, amerikansk kvinde fremstillet sådan) ses Elle Fanning, som nærmest personificerer den rolle. Det er igen det med, at denne film går meta på sig selv.

Læg dertil en perlerække af især norske skuespillere, men også danske Jesper Christensen som faderens livslange samarbejdspartner. Jesper Christensen øger altid kvaliteten i en film, også selvom hans rolle her er meget lille.

Danmarksbloggen giver ”Affektionsværdi” fem ud af seks huse. Filmen er en forrygende – om end forudsigelig og meget norsk i betydningen underspillede følelser – beretning om den mest afgørende arv, vi får i livet. Nemlig den menneskelige arv fra slægten og evt. slægtsgården, her slægtshuset. En arv, som gør os til enten spejlbilleder af dem, som gik forud – eller som sender os i den modsatte retning.

Samtidig er der mange små historier i den store historie. Fortællinger om alt fra utroskab over venskab, mod og præstation og til at blive gammel. De tilføjer filmen noget. Men bedst – udover at ”Affektionsværdi” hele tiden går meta på sig selv og filmbranchen – er det forfriskende element, at det er en film om en far og hans døtre fremfor det fortærskede emne en mand og hans sønner.

Skrevet af: Dorte J. Thorsen, indehaver af og redaktør på Danmarksbloggen.dk